Leonardo da Vinci, uno dei più grandi pittori del Rinascimento, sfidò costantemente le tradizioni e le tecniche artistiche del suo tempo. Creò composizioni innovative, studiò l'anatomia per rappresentare accuratamente il corpo umano, esplorò la psiche umana per esprimere il carattere e sperimentò nuovi metodi per raffigurare lo spazio e gli oggetti tridimensionali su superfici bidimensionali.
La sua insaziabile curiosità lo portò a intraprendere numerosi progetti, molti dei quali rimasero incompiuti, ma anche a realizzare alcune delle rappresentazioni più realistiche, complesse e delicate della natura umana. I suoi esperimenti influenzarono profondamente l'arte dei suoi successori, diventando spesso il punto di riferimento per le generazioni future.
Alla sua morte, nel 1519, Leonardo lasciò una vasta eredità di quaderni pieni di appunti e schizzi, ma relativamente poche opere completate. Alcune di esse furono ultimate dai suoi assistenti, mentre altre andarono perdute, distrutte o furono oggetto di ridipinture.
Di seguito alcune delle sue opere più famose giunte fino a noi.
Monna Lisa (c. 1503-1519)
La Monna Lisa, capolavoro di Leonardo da Vinci realizzato a olio su tavola tra il 1503 e il 1519, è l'opera d'arte più celebre al mondo, custodita nel Museo del Louvre a Parigi.
Ogni giorno, migliaia di visitatori affollano il museo per ammirare il ritratto, attratti soprattutto dallo sguardo enigmatico e dal sorriso misterioso della donna raffigurata. Tuttavia, l'apparente semplicità del dipinto, che ritrae una giovane donna vestita modestamente, con un velo sottile, colori tenui e senza gioielli, potrebbe disorientare chi si interroga sul motivo di tanta fama.
In realtà, la semplicità dell'opera cela la straordinaria abilità di Leonardo nel rendere il realismo. Il volto delicatamente sfumato della protagonista rivela la sua magistrale padronanza dello sfumato, una tecnica pittorica che utilizza gradazioni sottili di luce e ombra per modellare le forme, anziché linee nette. Il velo finemente dipinto, le trecce elaborate e la resa accurata del tessuto piegato testimoniano la meticolosa pazienza di Leonardo nel riprodurre le sue attente osservazioni.
Inoltre, l'espressione ambigua della donna contribuisce al realismo del ritratto. Il suo sorriso, ora accattivante, ora beffardo, lascia l'osservatore perplesso, poiché, come un essere umano, la figura incarna una complessità di emozioni contrastanti.
L'Ultima Cena
Uno dei dipinti più famosi al mondo, l' Ultima Cena fu commissionata da Ludovico Sforza , duca di Milano e mecenate di Leonardo durante il suo primo soggiorno in quella città, per il monastero domenicano di Santa Maria delle Grazie. Raffigurando una narrazione sequenziale, Leonardo illustra diversi momenti strettamente collegati nei Vangeli, tra cui Matteo 26:21–28, in cui Gesù dichiara che uno degli Apostoli lo tradirà e poi istituisce l' Eucaristia . Leonardo, che era incuriosito dal modo in cui il carattere di un uomo può rivelarsi nella postura, nell'espressione e nei gesti, descrisse la reazione unica di ogni discepolo alla dichiarazione. Le posture degli Apostoli si alzano, si abbassano, si estendono e si intrecciano mentre sembrano sussurrare, urlare, addolorarsi e discutere attorno a Gesù, che siede serenamente al centro. A causa della tecnica pittorica sperimentale di Leonardo, in cui usava tempera o pittura a olio su due strati di fondo preparatorio, l'opera iniziò a disintegrarsi subito dopo averla terminata. Tuttavia, gli spettatori possono ancora riconoscerlo come uno studio complesso delle diverse emozioni umane, rivelate in una composizione ingannevolmente semplice.
Autoritratto
A lungo considerato un autoritratto, il disegno a sanguigna di un uomo anziano con lunghi capelli ondulati e barba è stato riprodotto a tal punto da definire come la maggior parte delle persone pensa all'aspetto di Leonardo. Tuttavia, alcuni studiosi sostengono che la figura, con i suoi lineamenti scabri, la fronte corrugata e gli occhi bassi, sembra molto più vecchia dell'età che Leonardo abbia mai raggiunto; Leonardo morì all'età di 67 anni. Propongono che il disegno possa essere uno dei suoi disegni grotteschi, schizzi che faceva abitualmente nei suoi taccuini di persone con caratteristiche eccentriche. Chiunque rappresenti il ritratto, si discosta dai soggetti spesso accattivanti di Leonardo, eppure è riuscito a infondere nella figura la nobiltà e la saggezza di un'età matura.
La Vergine delle Rocce (c. 1483–86)
Sulla base di prove stilistiche, molti studiosi considerano il dipinto La Vergine delle Rocce al Louvre il primo dei due dipinti che Leonardo realizzò su una leggenda apocrifa in cui la Sacra Famiglia incontra San Giovanni Battista mentre fuggono in Egitto dalla Strage degli Innocenti di Erode. Leonardo fu coinvolto in anni di contenziosi con la Confraternita dell'Immacolata Concezione, che commissionò l'opera, e la disputa alla fine portò Leonardo a dipingere un'altra versione del soggetto intorno al 1508, che ora è ospitata nella National Gallery di Londra.
Il primo dipinto mostra i modi in cui Leonardo inaugurò l'Alto Rinascimento. I primi dipinti di questo periodo spesso raffiguravano figure in disposizioni lineari, separate l'una dall'altra e rigide nella forma. Nella Vergine delle Rocce, tuttavia, le figure della Vergine Maria, del Bambino Gesù, del bambino Giovanni e di un arcangelo sono disposte in una composizione piramidale e non solo occupano in modo convincente uno spazio, ma interagiscono tra loro attraverso gesti e sguardi. Una giovane Maria siede a terra in un misterioso paesaggio roccioso, non su un trono come la raffiguravano tanti dipinti del primo Rinascimento. Il suo corpo ha movimento: sembra ondeggiare mentre inclina la testa in modo protettivo verso il bambino Giovanni, che si inginocchia in preghiera a sinistra, e sembra che lo spinga verso il Bambino Gesù a destra. Gesù, a sua volta, benedice Giovanni come un arcangelo, visto in una posa complessa dal retro, indica verso Giovanni e lancia occhiate imperscrutabili verso l'esterno verso l'osservatore. Leonardo ha anche notevolmente escluso i tradizionali significanti sacri: aureole per Maria e Cristo e un bastone per Giovanni, in modo che la Sacra Famiglia appaia meno divina e più umana.
Ginevra de’ Benci (c. 1474/78)
Sul retro del dipinto, una corona di alloro e palma circonda un rametto di ginepro ( ginepro in italiano, un gioco di parole sul nome del soggetto) e un cartiglio con la frase latina "la bellezza adorna la virtù" intreccia ciascuna delle piante. L'aspetto troncato del retro suggerisce che il dipinto potrebbe essere stato tagliato nella parte inferiore, forse a causa di danni causati dall'acqua o dal fuoco. Alcuni studiosi ipotizzano che il ritratto sul dritto avrebbe incluso le mani di Ginevra e propongono che uno studio in punta d'argento di braccia e mani conservato al Castello di Windsor potrebbe essere servito come disegno preliminare.
La Vergine col Bambino e Sant'Anna (c. 1503–19)
Alcuni studiosi ritengono che La Vergine e il Bambino con Sant'Anna sia stato l'ultimo dipinto di Leonardo, e in quest'opera ha utilizzato molte delle convenzioni che aveva stabilito nel corso della sua carriera per raffigurare tre generazioni della Sacra Famiglia: Sant'Anna , sua figlia, la Vergine Maria e il Bambino Gesù. Anna, all'apice della composizione piramidale, osserva Maria, che siede sulle sue ginocchia, mentre la Vergine trattiene teneramente il Bambino Gesù dal montare un agnello. In contrasto con il bambino consapevole raffigurato da Leonardo nella Vergine delle Rocce , la figura di Cristo nella La Vergine e il Bambino con Sant'Anna appare innocente, dimostrando un comportamento infantile giocoso e mostrando un'espressione fiduciosa mentre ricambia lo sguardo della madre. Le interazioni tra le figure sembrano intime e rivelano la capacità di Leonardo di rappresentare relazioni umane convincenti.
Il dipinto mostra anche l'interesse di Leonardo per la rappresentazione credibile dello spazio tridimensionale su una superficie bidimensionale. Come in molti dipinti di Leonardo, le figure sono sedute in mezzo a un paesaggio fantastico. Utilizzando la prospettiva aerea , una tecnica di cui scrisse nel suo Trattato sulla pittura , Leonardo creò l'illusione della distanza dipingendo le formazioni rocciose sullo sfondo in modo che appaiano blu-grigie e meno dettagliate del paesaggio in primo piano. Utilizzò questa tecnica in molti dei paesaggi delle sue opere precedenti, tra cui la Gioconda e La Vergine delle Rocce .
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